Lola Alvarez Bravo, la photographe qui a immortalisé Frida Kahlo

• Sabrina Silamo
• Publié le 26/09/2015. Mis à jour le 28/09/2015 à 16h48.

Dans le cadre du festival Photoquai, la Maison de l'Amérique Latine consacre pour la première fois en France une exposition à l'artiste mexicaine.

Manuel Álvarez Bravo, auquel le Jeu de Paume rendit hommage en 2012, n'est pas l'unique Álvarez Bravo de l'histoire de la photographie. D'abord assistante de son illustre mari, Lola Alvarez Bravo (1903-1993) finit par s'émanciper et suivre sa propre inspiration. Mais si elle est réputée parmi les mexicanistes, autrement dit de ceux qui vénèrent Frida Kahlo ou Kati Horna, elle est déjà moins connue des spécialistes et totalement inconnue du grand public. Plus pour longtemps : la Maison de l'Amérique Latine lui consacrant dans le cadre du festival Photoquai sa première exposition en France.

 

Le première femme photographe du Mexique

Le Mexique post-révolutionnaire des années trente représente aux yeux des intellectuels du monde entier une sorte de terre promise socialiste où s'installe de nombreux artistes, écrivains (comme André Breton, chef de file des surréalistes), cinéastes (Serguei Eisenstein) ou photographes (Henri Cartier-Bresson, Paul Strand, Edward Weston). Sous leur influence, Lola Alvarez Bravo combine son héritage culturel composé de puissantes traditions à la modernité apportée par ces figures issues des univers les plus divers. La presse et les institutions publiques ne tardant pas à la solliciter, elle se spécialise dans les scènes de la vie quotidienne et saisit sur le vif les citadins comme les paysans – malgré les sarcasmes des hommes peu habitués à voir une femme arpenter seule les rues de Mexico et de ses environs.

 

Célèbre pour ses reportages et ses portraits, notamment ceux de Frida Kahlo immortalisée jusque sur son lit de mort, Lola Alvarez développe aussi un goût pour le fantastique. Dans sa quête de l’étrange, elle exploite souvent le thème du sommeil – cher aux surréalistes – et pratique le photomontage, technique inventée par l'avant-garde europèenne qui lui permet de développer un art beaucoup plus engagé politiquement. Lola Alvarez Bravo est aujourd'hui considérée comme la première femme photographe du Mexique.

http://www.telerama.fr/sortir/lola-alvarez-bravo-la-photographe-qui-a-immortalise-frida-khalo,131873.php

Claude ABAD à la Galerie Sophie Julien

J'ai rencontré le peintre Claude Abad à la Galerie Sophie Julien  le 10 septembre pendant le vernissage de son expo.. Je dis rencontrer à dessein car nous nous connaissons depuis 40 ans sans nous être rencontrés réellement.

J'ai été saisi par la division de l'espace dans ses compositions, et j'ai pensé à Kandinsky !

Claude Abad porte une attention particulière au travail des nuances de couleurs, qui permettent la mise en place d'un fond sur lequel il va asseoir et construire son œuvre.

Il se réclame de la non-figuration,  mais à travers les collages de textes, il vient signifier comme une parole interdite.

Au sous-sol : 

Des corps sous contention, muselés...

Des portraits à peine esquissés qui gardent leur mystère...

Des sous-verres:

3 œuvres qui nous plongent dans une profonde rêverie...

J'aurai souhaité rencontrer Claude Abad dans son atelier pour m'immerger dans son univers et être moins superficiel dans mes interprétations, mais cela ne lui a pas été possible et je le respecte.

 Sophie Julien  accorde une grande importance à la mise en scène des œuvres de l'artiste, elle permet de donner un rythme, une respiration, des trouvailles dans l'occupation de l'espace.

Très jeune, elle est devenue collectionneuse et a développé une addiction pour l'art.

 Galerie Sophie Julien : https://www.facebook.com/galerie.sophie.julien
 http://www.artdanslair.fr/locations/galerie-dart-sophie-julien/

Jean-Louis Aguilar-Anton / Art'Blogueur

Musique : Inna Modja, mauvaise fille féministe

Publié le 25 septembre 2015 à 16h21 — Mis à jour le 25 septembre 2015 à 16h25

Par Aurélie Bazzara

 

 

 

Nouvel album : "Motel Bamako" 

Dans son nouvel album, « Motel Bamako », la chanteuse appelle les femmes à se libérer des carcans religieux ou sociétaux. Elle évoque également la guerre qui gangrène le Mali. 

Son style ne laisse plus de place au doute. Veste en tissu traditionnel, chaussures en wax et coiffure tout en volume : à 31 ans, Inna Modja revendique ses origines et travaille son look afro-urbain. L’image – glam pour certains, lisse pour d’autres – arborée dans ses précédents albums prend de la couleur. « Pour mon troisième disque, j’ai eu envie de m’exprimer à 100 % en accord avec mes origines maliennes. » Le déclic ? Lorsqu’elle fait écouter son titre « Spirit » à sa grand-mère : « Elle n’a rien compris car elle ne parle ni anglais ni français. À ce moment, je me suis rendu compte que je m’étais beaucoup trop éloignée de ce que je suis. »

Pour se rapprocher des siens, la protégée de Salif Keita, qui a commencé à donner de la voix à 15 ans dans le groupe Rail Band de Bamako, mélange désormais rap en bambara, sa langue maternelle, et sonorités traditionnelles. « Après la musique traditionnelle, le hip-hop est l’un des styles les plus importants au Mali, soutient Inna Modja. Le message doit être compris par les Maliens car j’évoque des sujets importants pour notre pays. »

La menace de l’islamisme radical dans le nord du pays, le sort des déplacés ou encore le statut des femmes dans les sociétés africaines sont autant de thèmes évoqués au gré des treize morceaux. Les textes sont accusateurs et mordants, à l’image de celle qui a développé un caractère bien trempé, entourée d’une fratrie de six frères et sœurs. Au point que sa mère a préféré l’appeler non pas Inna Bocoum, son vrai nom, mais Inna Modja, la « mauvaise fille » en bambara.

Sur la question sensible du conflit au Mali, la chanteuse débite un discours bien rôdé. Elle confie qu’elle ne pensait pas que « la guerre allait durer trois ans » et souhaite que « la situation se débloque ». Et de poursuivre : « Les musulmans et les chrétiens cohabitent parfaitement depuis des générations. Le Mali n’est pas un pays où l’on applique la charia » puisqu’on est « malien avant d’être religieux ». Elle n’en dira pas plus, se contentant de répéter inlassablement qu’elle n’est pas une « politicienne », et refusera par exemple de se prononcer sur la présence militaire française et l’opération Barkhane. En pleine campagne promotionnelle pour son troisième album, inutile de froisser qui que ce soit !

Inna Modja est plus volontiers bavarde quand il s’agit d’aborder des sujets humanitaires. Depuis qu’elle est arrivée en France à l’âge de 19 ans pour faire ses études, elle ne cesse de défendre la cause des femmes et revient souvent sur son excision « réalisée par un membre de sa famille à l’insu de ses parents ».

Dans son clip « Tombouctou », en s’attaquant au port du voile forcé, elle encourage les femmes à se libérer. On y voit sa sœur, sa nièce et sa tante, un foulard sur la bouche qu’elles finissent par enlever pour s’exprimer. Un désir d’émancipation, un leitmotiv que lui a inculqué sa mère, sage-femme, dès son plus jeune âge. « Même s’il y a encore beaucoup de retard au Mali, on incite les femmes à étudier, à développer des petits commerces et à investir des postes politiques. L’égalité est très importante, elle doit se faire », poursuit-elle.

On y aperçoit aussi une femme seins nus sur lesquels est inscrit « freedom ». Point de Femen, ici. « C’est une référence à la femme de Patrice Lumumba. À la mort de son époux, elle s’est dénudée pour montrer l’ampleur de sa douleur. Elle a voulu taper du poing sur la table. Un modèle pour nous, les Maliennes. Nous sommes une force, nous ne devons pas nous taire pour permettre le retour de la paix dans notre pays. »

 http://www.jeuneafrique.com/mag/265798/culture/musique-inna-modja-mauvaise-fille-feministe/

L'Individu Ingouvernable par Roland GORI

L'histoire serait-elle un éternel recommencement ? Les pratiques libérales de gouvernement en organisant la société sur les valeurs bourgeoises de compétition et d'individualisme ne conduisent-elles pas à terme au désordre social et à l'apathie politique ? Sans céder au "démon de l'analogie" en Histoire, l'ouvrage montre les liens étroits qui, depuis la fin du XIXe siècle jusqu'à nos jours, unissent les crises politiques des libéralismes aux discrédits des institutions parlementaires, à l'émergence des populismes, et aux violences destructrices des guerres et des terrorismes. A chaque fois le monde de la sécurité, établi sur les promesses sociales et politiques de la raison, de la responsabilité morale, de l'autonomie de la volonté individuelle, de l'émancipation par le développement des techniques et des sciences, à chaque fois ce monde s'effondre. A chaque fois, la raison et la liberté se révèlent comme des illusions hypocrites permettant la soumission sociale des peuples. A chaque fois l'espace authentique du politique se réduit comme peau de chagrin au profit de dispositifs aliénants, mais efficaces, contraignant les individus à s'adapter aux automatismes des machines et des procédures. A chaque fois l'accroissement des richesses collectives s'accompagne du profit de quelques-uns aux dépens de tous.

pour commander le livre :
http://www.amazon.fr/LIndividu-Ingouvernable-Gori-Roland/dp/B00VJJIF30

L'art brut, de l'asile au marché

Jean Dubuffet n'est plus là pour protéger les grands artistes marginaux des appétits du marché. Les créations singulières et fascinantes des Darger, Wölfli, Corbaz... vont-elles y perdre leur âme ?

Au début des années 1970, faute d'avoir trouvé en France une institution partante pour en faire un musée à sa façon, l'artiste Jean Dubuffet offre à la ville de Lausanne sa collection d'art brut. Dans les caisses expédiées en Suisse, quatre mille pièces hétéroclites parmi lesquelles des dessins surchargés, des peintures aux couleurs vives, des sculptures en bois ou en fer-blanc, des broderies bizarroïdes... L'ensemble, fruit de trois décennies de recherches et collectes tous azimuts, passe la frontière en tant que « documents ». Le fisc français valide. Nuls droits de douane à payer pour ces machins considérés comme étant sans valeur. La Collection de l'art brut devient un musée, inauguré en 1976 sur les hauteurs du lac Léman.

 Quarante ans plus tard, certains de ces « machins » ont gagné le statut de chefs-d'œuvre inestimables. L'art brut, après avoir été la passion secrète de petits groupes marginaux et heureux de l'être, est sorti de sa tanière. On lui déroule le tapis rouge, on l'invite à la Biennale de Venise ou à la Fiac. Après l'avoir royalement ignoré, le milieu de l'art contemporain s'en est entiché. Et la cote de ces artistes autrefois méprisés explose.

 “Dubuffet ne voulait pas que ces créations soient altérées par le regard perverti de l'art officiel.” Martine Lusardy, directrice de la Halle Saint-Pierre

 Inventée par Dubuffet en 1945, l'appellation « art brut » désigne la création de marginaux « indemnes de toute culture ». Cette terra incognita, qui s'ignorait elle-même jusqu'à ce que le peintre français en définisse les contours, est d'abord née dans le creuset des asiles psychiatriques. Dès les années 1920, Dubuffet, tout comme Paul Klee ou André Breton, s'intéresse à « l'art des fous », qu'il découvre dans les publications de psychiatres français et suisses du début du siècle. Après guerre, il collecte ses premières œuvres « pathologiques », puis, continuant de prospecter, s'intéresse à d'autres formes de création spontanée : objets, tableaux, collages réalisés en cachette dans des remises ou des greniers par des solitaires, des délaissés, des simples d'esprit. Ils sont valets de ferme, jardiniers, balayeurs, ou croupissent en prison. Tout à fait ignorants des pratiques artistiques, mais poussés par une nécessité absolue — certains se disent médiums et travaillent sous la dictée de « voix intérieures » —, ces autodidactes inventent avec les moyens du bord des œuvres puissantes où sont catalysées toutes leurs affres. Conscient de leur grande vulnérabilité, Dubuffet voulait bien montrer leur travail, mais dans un espace protégé du monde de cet art « culturel » qui lui donnait de l'urticaire. « C'était une démarche militante, explique Martine Lusardy, directrice de la Halle Saint-Pierre, lieu pionnier de l'art brut à Paris. Il ne voulait pas que ces créations soient altérées par le regard perverti de l'art officiel. »

 L'art brut doit échapper au marché. C'est l'une des obsessions de Dubuffet. Les artistes l'aident volontiers. Pour la plupart, ils se contrefichent du devenir de leur production. Aloïse Corbaz (1886-1964), infatigable créatrice de princesses aux seins en boutons de rose, donne ses pétulants dessins aux médecins de l'asile où elle passe sa vie. Augustin Lesage (1876-1954), mineur du Pas-de-Calais devenu artiste et guérisseur après avoir entendu une voix au fond d'un puits, lui, vend ses peintures. Mais il fixe les prix de ses vertigineux empilements de motifs minutieux au temps qu'il met à les réaliser, avec pour base le salaire horaire d'un mineur.

Aloïse Corbaz, Augustin Lesage et Wölfli (mort en 1930), auteur d'une délirante autobiographie imaginaire de vingt-cinq mille pages truffées d'irrésistibles dessins, forment la trilogie des « historiques » dont les cotes atteignent désormais des sommets. 150 000 euros pour un petit Wölfli, 350 000 un grand Lesage... Henry Darger (1892-1973), star américaine actuellement exposée au musée d'Art moderne de la Ville de Paris, atteint désormais 600 000 euros. Des cacahuètes par rapport à Jeff Koons, mais il y a encore une vingtaine d'années ce genre d'œuvre se négociait à des prix abordables dans un petit milieu d'aficionados. « Le marché a commencé à bouger en 1993, avec l'ouverture de l'Outsider Art Fair à New York », explique Laurent Danchin, auteur de nombreux ouvrages sur l'art brut et commissaire d'expositions — dont la première consacrée à Henry Darger en France. La foire spécialisée new-yorkaise a été transposée à Paris il y a deux ans, avec grand succès. Entre-temps, des galeries se sont ouvertes et le monde des musées, parmi lesquels la Halle Saint-Pierre, à Paris, puis le LaM, à Villeneuve-d'Ascq, s'est attelé à faire connaître ces chaînons manquants de l'histoire de l'art.

L'art brut, “le refoulé de l'art contemporain”
Il fallait voir l'hiver dernier le public arpenter les salles de la Maison rouge, centre d'art privé parisien, où était exposée la collection ABCD : une encyclopédie quasiment complète de l'art brut des débuts à nos jours constituée depuis trente ans par Bruno Decharme. Vissés devant les œuvres, revenant sans cesse aux notices biographiques, les visiteurs paraissaient absorbés par la charge émotionnelle de ces pièces à l'esthétique pas toujours facile d'accès, et surtout très éloignée des canons actuels. Rien d'épuré ni de sobre dans ces agglutinations de matières et d'objets, ces empilages compulsifs, ces couleurs dégoulinantes, ces coups de crayon désordonnés ou au contraire tracés avec maniaquerie. A peu près l'exact opposé de l'art contemporain, ­versé dans l'intellectualisation et le concept. « L'art brut, c'est le refoulé de l'art contemporain qui a toujours cherché à produire des choses intello avec un protocole presque scientifique et le moins de pathos possible, analyse Laurent Danchin. Le public s'intéresse aujourd'hui à un art plus direct qui exprime des émotions. » Un boulevard s'ouvre pour l'art brut, qui attire désormais les collectionneurs d'art contemporain. Pour Christian Berst, le premier à avoir ouvert une galerie d'art brut il y a dix ans, cela confirme la force d'attraction très particulière de ces œuvres hors norme. Et leur ­pouvoir de séduction, telle qu'il s'exprime dans ces très graphiques let­tres-par­titions aux lignes comprimées et tombantes de l'Allemand Harald Stoffers (né en 1961), qui ne déparent pas dans la branche chic de la grande famille de l'art.

 

              Trisomique, sourde et muette, Judith Scott communiquait grâce à ses œuvres

Dans sa mutation vers un art de salon, bien loin de ses racines clandestines, l'art brut court-il le risque d'être trop pris en main ? « On peut toujours essayer de lui fait dire ce qu'il ne dit pas, de gommer la maladie, la souffrance ou la déviance des créateurs, fait remarquer Martine Lusardy, la vie de l'artiste continuera de coller à l'œuvre. » Les irréductibles d'aujourd'hui sont bien plus encadrés que leurs prédécesseurs. La plupart vivent désormais dans des structures médicales spécialisées et créent dans des ateliers où on leur fournit le matériel, peinture, laine, carton, comme Judith Scott, Dan Miller ou Hans-Jörg Georgi, les grands noms de la nouvelle génération. Beaucoup ne communiquent pas et presque tous sont sous tutelle : leurs familles ou des établissements spécialisés gèrent leur « carrière ». Stoffers, l'auteur des lettres citées plus haut, est sous contrat avec la galerie de Christian Berst via son atelier et sa tutrice, en l'occurrence sa mère.

 Gouffre juridique
Jacques Trovic, brodeur autodidacte de 68 ans, vivotait seul dans le nord de la France et vendait grâce à sa petite renommée. Il est arrivé récemment au centre médical de la Pommeraie, en Belgique, « dans un état lamentable, raconte Bruno Gérard, responsable de l'atelier créatif du lieu. Il s'était fait complètement dépouiller, incapable de réclamer quand un indélicat emportait une œuvre, prétendant revenir bientôt avec un carnet de chèques. » A la Pommeraie, Jacques Trovic continue de vendre mais récupère désormais son dû grâce à l'équipe du centre. « La plupart de ces personnes sont en détresse psychologique, manipulables et non conscientes de leurs droits, dit l'avocate Agnès Tricoire, spécialiste de la propriété intellectuelle dans le domaine de l'art. Il y a un gouffre juridique entre la pratique et la loi. » Bruno Decharme, qui écume les lieux de création depuis des années, paraît moins pessimiste : « Les grosses arnaques et les abus de faiblesse, ça n'existe pratiquement plus en Europe. L'art brut est bien identifié, plus personne ne peut emporter un carton de dessins pour des clopinettes. Il y aura toujours quelqu'un, entre les instances, les familles et les tutelles, pour faire barrage. » 

 Le risque aujourd'hui est avant tout de trop solliciter les artistes. Vulnérables, ils ne savent pas dire non et certains se sentent obligés de répondre à la commande, un comble pour une forme d'expression impérieuse et spontanée à la base. L'Américain George Widener, 53 ans, dont l'obsession des chiffres colonise les œuvres, se retrouve aujourd'hui en contrat avec trois galeries internationales et dans l'obligation de produire encore et encore. Résultat, la qualité de sa production s'effondre. André Robillard, 84 ans, l'un des derniers témoins de l'époque Dubuffet, auteur de fusils en conserves que nous avions rencontré l'automne dernier, fabrique désormais ses pièces à la demande avec des « copains » qui lui fournissent tout le matériel et repartent avec l'œuvre dûment signée. « Que voulez-vous, Robillard est comme ça, toujours partant, sourit Bruno Decharme. Si vous lui dites "Tiens, on va sur la Lune ?", il vous suit ! » 

 http://www.telerama.fr/scenes/l-art-brut-de-l-asile-au-marche%2C130299.php

Francisco CUNHA de MONTEVIDEO (Uruguay)

De la intención de indagar, entender y cuestionar mi proceso y desarrollo artístico y sus productos, surge esta selección de obras realizadas en los últimos cinco años.

                                                      Planeta sin nombre

Abarca exposiciones, dibujos inéditos, piezas rechazadas, bocetos, colaboraciones y proyectos personales.

                                                                 GATOS

Sobre mi obra:
Busco respuestas sobre lo que emociona, la superación del miedo, la ilusión del control.
Investigo sobre las posibilidades de trabajar con lo mínimo y capturar lo espontáneo. El dibujo y la animación son mis herramientas principales. Lograr una obra compleja partiendo de lugares pequeños es la forma de vencer mis propias barreras.

                                                         MONTEVIDEO

CV : http://fran.com.uy/BOX/CV_FRANCISCO_CUNHA.pdf

                                                            Los refugios
 
Contacto :
reydefrancia@gmail.com
098 044 776

Las gracias a Sylvia FERRARO que me hiso conocer a Francisco CUNHA.

Claude Brun (Centre d'Etude de l'Expression)

Claude Brun

France, La Seyne, 24 août 1914 – ?

Les éléments biographiques dont nous disposons sont issus des textes qui figurent au verso de certaines œuvres et de quelques données d’un dossier d’archive de l’hôpital. D’après ces documents, Claude Brun a dû être hospitalisé à la Clinique des Maladies Mentales et de l’Encéphale de l’hôpital Sainte-Anne à partir des années 50.

La dizaine de gouaches conservée dans la Collection Sainte-Anne constitue un ensemble homogène de petits formats, caractérisé par un goût pour des compositions aux coloris très équilibrés. les motifs, abstraits ou allégoriques, intègrent souvent des devises en latin et des noms de personnages célèbres; ce sont souvent des peintres tels que Picasso ou Matisse, ce qui laisse penser que cet artiste avait une connaissance du monde culturel de son époque.

Les œuvres qui figurent à l’inventaire de la Collection Sainte-Anne ne représentent sans doute qu’une petite partie de sa production. Elles ont été réalisées à la Clinique des Maladies Mentales et de l’Encéphale où Claude Brun était hospitalisé, et le patient a fait du professeur Deniker le destinataire de certaines gouaches.

Les thèmes sont la plupart du temps satiriques et parodiques et ils laissent deviner que l’auteur avait des convictions très affirmées.

Deux dessins de Claude Brun figuraient à l’exposition Paris/Paris 1937-1957 au Centre national d’art et de culture Georges-Pompidou en 1981, ce qui constitue une réelle reconnaissance de la qualité de l’artiste et de la position de cette œuvre au sein de l’histoire de l’art du XXème siècle.

Claude Brun,Sans titre, 19 août 1952
Encre, gouache, vernis sur papier 20,1 x 25,6 cmr

© crédit photographique 

Collection Sainte-Anne 

nv. n°0082

Les œuvres de Claude Brun furent présentées à :

• Paris, 1981, Centre Georges-Pompidou, Paris/Paris 1937-1957, du 28 mai au 2 novembre 1984.
• Paris, 2000, Université René Descartes – Paris V, Galerie Saint-Germain, De Sainte-Anne et d’ailleurs : Collection ancienne du Centre d’Etude de l’Expression, , du 27  juin au 11 juillet 2000 (catalogue épuisé).
• Paris, 2003, Galerie Nationale du Jeu de Paume, La clé des champs, du 9 juillet au 28 septembre 2003 (catalogue épuisé).
• Paris, 2004, Centre hospitalier Sainte-Anne, Musée Singer-Polignac, Rouge – œuvres de la collection ancienne du C.E.E., du 17 septembre au 10 octobre 2004 (catalogue disponible).
• Paris, 2007, Centre hospitalier Sainte-Anne, Musée Singer-Polignac, La couleur des mots, du 15 septembre au 20 octobre 2007 (catalogue d’exposition disponible).
• Montbrison, 2012, Musée d’Allard, De l’Art Brut et d’autres choses, du 6 avril au 4 novembre 2012.
• Paris, 2015, Centre hospitalier Sainte-Anne, Musée Singer-Polignac, L’art pour l’art, la Collection Sainte-Anne, du 29 mai au 28 juillet 2015. 

Claude Brun, Sans titre, 14 août 1952
Encre, crayon de couleur, stylo à bille sur papier
20,6 x 25,7 cm
© crédit photographique
Collection Sainte-Anne
inv. n°0083

 Une biographie de l’artiste Claude Brun est également disponible dans le Tome 4 De L’art des fous à l’œuvre d’art aux éditions Edite – Centre d’Etude de l’Expression, 2010, p.21.

Sources : 

Chaque mois le Centre d'Etude de l'Expression vous fait découvrir un artiste de la Collection Sainte-Anne.

Découvrez ce mois-ci l'artiste Claude Brun.

http://www.centre-etude-expression.com/galerie-virtuelle/claude-brun/